精緻不足，您言「輕」了《我為你押韻——情歌》

在談戲之前，我想先說說影響本劇的外在因素。本劇選在文山劇場上演，這是一個鏡框式的舞台，不能算是小劇場，但也不大，而它的觀眾席多至17排，且 不夠傾斜，導致後排觀眾除了距離遠之外，視線也不佳——前排觀眾的身影容易自然地將後排觀眾從戲裡拉出來，而在本劇中，由於每一場之間「段落」式的處理， 這點尤為明顯。這是文山劇場先天不良之處，劇團選擇此場地演出必有其考量，在此按下不表。但除此之外，控制室的嚴重漏光、遲到觀眾進場時的徘徊拖延，都在 在干擾了觀賞經驗。

本劇名為《我為你押韻——情歌》，由劇名看來，音樂的角色應舉足輕重，實則不然：與其說它強調音樂，不如說它強調「詞」。事實上，本劇的聲音層次感 處理得不夠細緻，先是所有演員一律使用麥克風收音，這點就讓人犯疑：文山劇場不大，演員的聲音應不致無法投射，為何非用麥克風不可？再者，使用麥克風並非 原罪，但擴大器放出的聲音卻毫無層次感，當演員在幕後說話或是暗場的時候，觀眾聽到的聲音和他們在場上時並無區別，缺了空間感的聲響，使看戲頓時變得像看 中文配音的韓劇。使用麥克風的另一個缺點，是易產生雜訊，首演時也出現了這樣的問題，所幸不久後旋即解決。本劇在一些場景的聲音處理是有新意的，比方說使 用手持麥克風Beat-box，或利用麥克風的回音效果模擬電台DJ談話，但可惜沒能將這樣的層次應用至整齣戲中。

另外，多次轉場使用音樂，卻常在下一場燈亮前就急收，造成了斷裂的效果——也許正如劇中人所說的，「我們都只記得一個瞬間」，這樣的手法也是製造 「瞬間」的方式之一，但是，我總覺得不論要製造什麼效果，都必須顧及觀賞的流暢性。當下的感覺是技術出了差錯，讓觀眾置身於略顯侷促的黑暗中。

在場景與場景之間，本劇的處理確實是斷裂的。或可解釋為對記憶中「瞬間」的描繪。劇中維英（蔡佾玲飾）不斷纏著柏翔（王宏元飾）說故事，而本劇刻意 不清的敘事線，卻證明了「故事」的缺乏必要。柏翔說，編劇最怕被人預設、被人料中，但偏偏本劇的劇情就真的那麼容易被預設、被料中（維英就是柏翔六年前救 的女孩），連他賴以維生的「韻腳」，都不免顯得有些「老梗」。劇中人不斷重覆著陳腔濫調，但幸好，觀眾仍然買帳，又或者不幸，觀眾居然買帳：當我們在劇場 裡享受這來自肚皮的笑聲，我們笑的是什麼？文宣上的「療傷輕喜劇」其實是後設的，觀眾抱著被療癒、被逗樂的心情進劇場，有意識地自療發笑，最後什麼也不帶 走。

劇中關於張雨生的緬懷令人同感，我也喜歡那場關於高中聯考的電台回音，但在喜悅之餘，不免讓人斟酌，是否過於依賴張雨生了？從「天天想你」的純情到 「沒有菸抽的日子」的無奈，觀眾欣然接受，但是這一步棋似乎下得容易了些。建築在觀眾對張雨生的共同記憶之上，本劇鋪墊出一種懷舊的、浪漫的情懷，但如果 沒有這樣的基礎，本劇現有的那種氛圍將蕩然無存。這當然不是一齣以張雨生為主的戲，但是如此頻繁地運用他的音樂，卻也只是運用他的音樂而已，似乎稍微便宜 行事了。

劇中換景人員打扮得像服務生，是一可愛的亮點，但可惜換景時而半明時而全暗，讓人摸不清究竟該如何熬過換景時間：是要抽離或得細看？而林家麒所飾演 的服務生一角，溜著滑板車穿梭舞台，也是一個靈活且精彩的小插曲，但亦可惜運用得不多。其實，本劇中舞台裝置變換頻繁，但演員們的走位卻顯得侷限，多在左 右舞台橫向直線式移動，略嫌遺憾。
平心而論，本劇有其趣味，論「輕」是輕，但精緻度不足，不像首演，倒像整排。若能加強各項技術的熟練和細膩度，方能得收「療傷輕喜劇」之效。

演出：創作社劇團
時間：2012/05/24 19:30
地點：台北市文山劇場

本文首刊於表演藝術評論台。
http://pareviews.ncafroc.org.tw/?p=2670

意蘊流轉的寧靜海《海鷗》

如同綴在莫斯科劇院天際上的那隻海鷗，契訶夫的影響力實在太深遠，自從好幾年前，開始讀《海鷗》劇本的那一刻起，每次我打開衣櫃選出黑色洋裝，都會 召喚出「我在為我的生活服喪」的台詞。他的文句嵌入了生活，而「生活」，做為本劇緊緊扣住的主題，和它一同在劇中撞出聲聲迴響的，還有才情、創作，和說不 出、說不完、說不夠的愛。

當年史坦尼斯拉夫斯基對《海鷗》採用了非常心理寫實式的詮釋，契訶夫的反應舉世聞名：他說，「他毀了我的作品」。也因此，之後任何人再詮釋這個劇 本，都不免被拿來與（傳聞中的）史式風格相互對照。不同於二十世紀後半的劇作家，契訶夫將整部戲籠在他的羽翼下，不管在戲內還是戲外都能感覺得到他的聲 影。然而，除了他自己聲明的「這是一齣四幕喜劇」之外，我對他的存在，也僅止於「感覺」而無法鉅細靡遺地說出細節，但確實能明確地感覺到劇作家強大的意志 躲在舞台背後，窺伺全局。

如果說契訶夫的戲劇像散文，那麼台南人劇團這次的製作無疑是篇優美清麗的文章，河洛語有著特有的韻律感，讓那些若照著俄語原文直譯為中文，可能會稍 嫌「文藝腔」的台詞活了起來，也讓我們這種平常慣於使用中文的觀眾得以建立一種美學的距離——曾經在某處讀過，人們在說那些「體己話」的時候常傾向使用不 熟悉的語言，例如「國語人」說I love you，「台語人」講我愛你，增加的距離感會讓他們比較不害羞──台灣觀眾面對（特別是西方的）翻譯文本，常常會感到一種微妙的侷促與彆扭，而這樣的情形 並未發生在本劇中，我想是因為文本已從一種外語轉譯為另一種我們又熟悉又陌生的「外語」，一種文學化的地方方言。而劇中通篇流暢雅致而生動的台語，恰如其 分地在觀眾與文本之間鑿出了一條渠道，讓契訶夫的文字瀟灑了起來，得以乘載著滿溢的情感流淌於人心之間。

這齣戲談創作，最令我印象深刻的是葉月林（葉登原飾）掛在嘴上的「年輕時最想做兩件事，一個是當作家，另一個就是娶某」。也許是因為我也是他們口中 的「少年人」，聽起來格外怵目驚心。孕育創作的過程，是陳雨祿（李易修飾）的快樂、玫瑰（李劭婕飾）的嚮往、海盟（魏雋展飾）的痛苦、其他人的辦不到。第 一幕中，葉月桃（黃怡琳飾）、海盟和人們對於「新形式」的追求或唾棄，其實是劇場中一直存在著的爭論。前輩們看不起新潮，新生代對舊作品亦嗤之以鼻。葉月 桃和海盟之間的爭辯點出了兩代間永恆的對抗，已得勢者必然僵化，而新起之秀卻弄不清自己在做什麼。就連表示支持的「觀眾」明道醫生，在鼓勵海盟之餘仍得對 他曉以「大義」，說教一番，仍是甩不脫舊時代的幽魂。劇終處，海盟終於明白，關於創作，不能牽拖形式和時代，必須面對的乃是自我的生活問題。

另外，面對無聊（的生命∕生活），大家只有以討愛來排遣無聊。劇中醫生的一句「哪裡來的那麼多愛？」除了不解少年人們為何付出如此重的愛，也詰問 著，要愛的人們該到哪裡去討愛。劇中人不是沒有感情，而是不會表達——例如，葉月桃用誇張而不合理的演技表達她的愛，與其說是為了愛人，倒不如說是為了愛 她自己。而奇異的是，儘管她原就以扮演為業，卻沒人戳破她在生活中頻繁的扮演。他們愛得絕望，但仍抱持著希望。
而雖然是在大劇場演出，本劇仍有許多細膩幽微的小細節是值得注意的，例如從觀眾進場就以先聲奪人之姿攫獲觀眾視線的天幕燈，模擬蒼穹的精緻變化，配 合情緒跌宕流轉，美不勝收，甚至讓人在踏出劇場後仰頭望天之際，頓覺台北的天空輸了一截。而本劇聲音處理上也層次分明，葉家大院與整座村莊，在清楚而多樣 的聲響當中成為了立體的所在。我特別鍾愛第四幕中海盟陰騭的鋼琴聲——在觀看著名劇作演出時，每每容易因熟讀劇本，劇情走向甚至人物結局皆了然於心，所以 期待看見的並非劇情發展，而是處理方式——就像在本劇中，觀眾早都知道海盟會死，卻照樣被那絕望又激動的琴聲吊著，又愛又怕，猜它會停，又怕它真停。這個 手法確實收了挑逗之效。而那些專屬於鄉下的蟲鳴鳥囀，以及忽遠忽近的人物聲音，使得本劇的空間不限於我們看得見的舞台。另外，本劇演員非常精彩，但是我也 不得不愛那些簡短的空台時刻：那是在海盟忽見門外正待離開的玫瑰身影，奪門而出的短短數秒；說也奇怪，當時看著一扇半掩的門、陰霾的天，與一座空蕩蕩的房 子，卻像看到了海盟對玫瑰的無限在意和羈絆。隱喻一般，小村囚住了大夥，大家都想往市內跑，只有海盟走不掉；而那片天空從藹暖到墨鬱就如同海盟面對創作的 欣喜、挫折而致困窘、放棄。

全劇給我的感覺，是沉穩、退讓，精緻而不炫耀的。各項劇場元素的結合純熟，且我必須承認，當台詞稍微長了點時，那些聲響精彩、燈光變幻、舞台巧妙就 成了安撫我的良藥。我沒有哭成淚人兒，也不致失控嘻笑，看這齣戲的經驗，是平穩中時有驚喜，腦筋不斷地隨著語言轉動。當陳雨祿對玫瑰說，看戲的觀眾不是冷 酷無情，便是存心來看笑話，我想，創作者可以放心了——至少，我願意以真誠的注視來回應作品，而這大概便是海盟最渴望的尊重了。

演出：台南人劇團
時間：2012/05/06 14:30
地點：台北市城市舞台


本文首刊於表演藝術評論台。